Les meilleures bandes sonores de jeux vidéo de tous les temps

Un jeu vidéo du début du siècle n’a certainement pas le même aspect qu’un jeu vidéo d’aujourd’hui. Au fil des ans, les graphismes se sont considérablement améliorés, si bien que les titres des consoles Nintendo ou PlayStation 1 paraissent plutôt médiocres. Ce n’est pas le cas de la musique, qui peut même durer des décennies. Les meilleures preuves en sont bandes sonores de jeux vidéo de tous les temps.

Si les bandes-son des jeux ont évolué et utilisent désormais des orchestres et des chœurs pour donner une atmosphère plus dramatique, certains classiques légendaires des années 80 et 90 sont tout aussi divertissants et entraînants, bien qu’ils aient été générés avec des bits limités et du son synthétisé.

Super Mario Bros. (1985)

Lorsque vous entendez l’expression « musique de jeu vidéo », il y a de fortes chances que la mélodie d’ouverture du premier Super Mario Bros. se mette à jouer dans votre tête. Fantaisiste, enjouée et parfaitement rythmée pour vous faire avancer, la musique correspond parfaitement aux effets sonores qui se produisent lorsque Mario saute en l’air, casse des blocs et se déforme. Lorsque vous vous dirigez vers des zones sombres, le volume baisse et la musique change pour un rythme minimaliste qui signale le danger à venir.

Mega Man 2 (1988)

Les jeux Mega Man sont très difficiles, mais il n’est pas nécessaire de prendre une manette pour vous dire que Mega Man 2 sera implacable rien qu’à cause de sa bande-son. La chanson thème de chaque étape est un sprint vertigineux et anxiogène. Vous aurez du mal à suivre, car même les morceaux les plus lents du jeu sont toujours plus rapides que la plupart des musiques des jeux NES.

Super Castlevania IV (1991)

La Super Nintendo était capable d’offrir une qualité audio bien supérieure à ce que l’on pouvait entendre sur la Nintendo Entertainment System originale, ou même sur la Sega Genesis. Super Castlevania IV pourrait être, sans aucun doute, le meilleur exemple de ce que cette console pourrait nous donner. Combinant les sons d’orgue stridents de l’horreur gothique avec le rythme chiptune auquel les fans de Castlevania sont habitués, la bande-son a souvent éclipsé les images du jeu, qui restent aussi belles 25 ans après la sortie du titre.

Chrono Trigger (1995)

Le chef-d’œuvre de Square Enix, Chrono Trigger, a plus que résisté à l’épreuve du temps. À tel point que certains le considèrent comme le meilleur RPG jamais conçu en raison de son histoire complexe, de ses mécanismes de combat perfectionnés, de la signature d’Akira Toriyama et, bien sûr, de la magnifique bande-son de Yasunori Mitsuda. L’écran d’ouverture commence par une mélodie douce et désagréable qui sert de prélude à une musique plus grandiloquente. Mais ce n’est pas tout, car, au cours de l’aventure de Chrono, nous entendons une grande variété de musiques. « Le thème de la grenouille, par exemple, est aussi stoïque que le protagoniste du jeu, mais en même temps avec un sous-entendu tragique.

Star Fox 64 (1997)

Conçue par le très sous-estimé Hajime Wakai (Pikmin, Wind Waker, F-Zero X) et le légendaire Koji Kondo, la BO de Star Fox 64 est une bande-son lyrique et spatiale, à la fois grandiloquente et dramatique. Il ajoute du drame à ce qui aurait pu être un simple jeu d’arcade mettant en scène des animaux parlants. Si l’on considère que chaque partie ne dure qu’une heure, la musique entraînante fait que rejouer le jeu est un plaisir.

The Legend of Zelda : Ocarina of Time (1998)

The Legend of Zelda : Ocarina of Time a été largement considéré comme l’un des plus grands jeux vidéo jamais réalisés. Si cette reconnaissance est due en grande partie à son design fantastique et à son histoire qui fait voyager dans le temps, ce serait un crime de ne pas tenir compte de la contribution du compositeur Koji Kondo au succès du titre. Dès que Link se réveille, enfant, et commence à marcher dans la forêt Kokiri, une musique douce et apaisante crée l’ambiance.

Sur un rythme d’ocarina, le jeu fait revivre certains des thèmes les plus emblématiques de la série : les thèmes de Zelda, Epona et Saria non seulement résistent à l’épreuve du temps, mais jouent également un rôle important dans le jeu lorsque vous progressez dans les donjons ou naviguez dans les bois perdus. Le thème de Ganondorf dépeint aussi parfaitement le danger menaçant du méchant qui réapparaît dans plusieurs suites.

Tony Hawk’s Pro Skater (1999)

Le punk rock et le skateboard ont grandi ensemble et grâce à ce jeu, des styles musicaux comme le punk et le ska ont gagné un nouveau public et une nouvelle popularité. Avec des morceaux de groupes réputés comme Suicide Machines, Dead Kennedys ou The Vandals, le jeu avait la bande-son parfaite pour écouter pendant des heures alors que vous essayiez de maîtriser votre « McTwist » ou de reproduire le 900 que vous avez vu à la télévision. Une chanson en particulier a fini par représenter l’empreinte culturelle de la franchise THPS plus que toute autre : le titre Superman du groupe ska Goldfinger. Ce titre est tellement enjoué et entraînant qu’il est pratiquement impossible de se mettre en colère en l’écoutant. Les autres jeux de la franchise ont des bandes sonores solides, mais sans Superman, il semble leur manquer quelque chose.

Halo 2 (2004)

Le premier Halo nous a fait découvrir le thème caractéristique de la franchise, mais le troisième jeu s’est terminé par un numéro de piano entraînant qui nous a donné ce que nous pensons être la conclusion définitive de l’histoire de Master Chief. Au début du jeu, nous sommes une fois de plus confrontés aux mortels chasseurs de l’Alliance, qui nous font généralement peur dès qu’ils entrent en scène. Mais avec le solo de guitare de Steve Vai qui résonne dans nos oreilles, nous trouvons le courage de les charger avec nos armes. Lorsque nous changeons de perspective et prenons le contrôle de l’Inquisiteur, la musique prend un ton de terreur ponctué de moments sombres et tragiques qui nous rappellent la mission impossible que nous devons accomplir.

Uncharted : Drake’s Fortune (2007)

La série Uncharted peut être décrite comme un descendant direct des jeux originaux Tomb Raider. La musique du jeu est cependant l’un des rares éléments qui aident Nathan Drake à sortir de l’ombre de Lara Croft. Le thème principal de sa bande sonore ne peut être décrit que comme « épique ». L’écouter nous transporte dans l’une de ces magnifiques scènes.

Minecraft : Volume Alpha et Beta (2011-2013)

Il est peut-être exagéré de dire que Minecraft ne se serait probablement pas vendu à 200 millions d’exemplaires, ce qui en fait le deuxième jeu le plus vendu de tous les temps, si le compositeur allemand C418 n’avait pas donné à ses joueurs une bande-son apaisante et extraterrestre pour combler le vide pendant qu’ils explorent son territoire.

La plupart des fans de la bande originale de Minecraft apprécient les classiques simples du premier album tels que Moog City, Sweden et Subwoofer Lullaby. Cependant, n’oublions pas le Volume Beta, qui va au-delà avec des morceaux comme Taswell et Kyoto, capables d’évoquer leur propre monde étrange.

Journey (2012)

Le compositeur Austin Wintory a passé trois ans à créer la bande-son de Journey. Bien entendu, ce dévouement a porté ses fruits et a donné naissance à une bande-son incroyable – qui a été la première et la seule de l’histoire à être nominée pour un Grammy Award. Wintory a fait de la violoncelliste Tina Guo le centre de la bande-son et a déclaré dans une interview que le jeu est « comme un grand concerto pour violoncelle où vous êtes le soliste et où le reste des instruments représente le monde qui vous entoure ».

Rayman Legends (2013)

À l’exception des jeux musicaux comme Thumper et Guitar Hero Live, il est rare de voir un développeur intégrer la musique comme un outil supplémentaire dans les mécanismes de son jeu, mais c’est exactement ce qu’a fait Ubisoft Montpellier dans Rayman Legends. Après plusieurs étapes de plates-formes – chacune avec ses propres chansons entraînantes – chaque monde se termine par une séquence de plates-formes ultra-rapide sur une chanson pop ou rock populaire.

Des classiques comme Black Betty et Eye of the Tiger se mêlent à l’humour décalé de Rayman tandis que le héros infirme court jusqu’à la ligne d’arrivée et que ses sauts sont parfaitement rythmés par les chansons.

BioShock Infinite (2013)

Si Rayman Legends a réussi à lier sa bande sonore à son gameplay comme aucun autre jeu ne l’avait fait auparavant, BioShock Infinite a réalisé une fusion similaire entre sa musique et son histoire. Dès que Booker DeWitt pose le pied sur la ville flottante de Columbia, il est accueilli par une musique qui n’existe pas encore. La chanson God Only Knows des Beach Boys est interprétée par un quatuor de barbershop, bien qu’elle n’ait été écrite que 50 ans plus tard. Alors que le continuum espace-temps se désintègre autour de Booker, il entend des morceaux de groupes comme Creedence Clearwater Revival et même Tears for Fears.

Le moment le plus mémorable de tout le jeu risque de passer inaperçu si les joueurs ne s’en mêlent pas assez. Dans une scène où il entre dans une cave, Booker peut prendre une guitare et jouer Will the Circle Be Unbroken ? en duo avec sa partenaire Elizabeth.

Enfant de la lumière (2014)

L’auteur-compositeur-interprète canadien Cœur de pirate a créé une bande-son poignante qui correspond parfaitement à l’ambiance du jeu, avec des solos de violon mélancoliques et de piano réfléchis. Se déroulant principalement dans un monde fantastique et mettant en scène une jeune fille prête à tout pour rentrer chez elle afin de sauver son père mourant et de déjouer sa méchante marâtre, cette sorte de Cendrillon avec violence et sans prince charmant brille en partie grâce à sa belle musique. Même si Aurore gagne des pouvoirs et des amis, la combinaison de tristesse et de fantaisie nous rappelle que ce voyage n’est pas aussi agréable pour elle que pour nous.

Transistor (2014)

La plupart des joueurs choisiraient l’excellente bande originale de Bastion de Darren Korb pour cette liste, mais à notre avis, Transistor représente de loin le meilleur travail de Korb. Vous incarnez Red, un chanteur dont la voix a été scellée dans une mystérieuse épée et qui doit se battre pour vaincre l’intelligence robotique qui absorbe les habitants de la ville. Incapable de parler, Red peut fredonner la musique de chaque niveau et vous entendrez également plusieurs de ses performances passées au cours du jeu.

Korb a décrit le genre de la bande-son comme étant du  » post-rock électronique du vieux monde « , ce qui correspond au jeu d’action et au monde sombre et futuriste qu’il dépeint. Ajoutez à cela l’incroyable voix de la chanteuse Ashley Lynn Barrett, utilisée sur des chansons telles que We All Become et The Spine, et vous obtenez une bande originale qui vaut la peine d’être écoutée encore et encore.

Ori et la forêt aveugle (2015)

La beauté graphique de la franchise Ori n’a d’égal que la beauté de sa bande-son, qui a été interprétée par un orchestre et un chœur complets et comporte de multiples solos d’Aeralie Brighton, Rachel Mellis et Tom Boyd. Les harmonies des chanteurs donnent l’impression que le décor forestier du jeu chante la sérénade à Ori au fur et à mesure qu’il progresse dans sa quête, les performances solos apparaissant souvent lors de scènes dans lesquelles Ori a fait un pas de plus vers l’éradication de la maladie qui infecte sa maison.

En dehors de l’excellente valeur de production, la bande-son d’Ori and the Blind Forest réussit grâce à la composition réfléchie de Gareth Coker, qui crée une nouvelle mélodie qui sonne magique dans chaque nouvelle zone que vous rencontrez.

Nier : Automata (2017)

Nier : Automata est accompagné d’une bande-son mélancolique et parfois optimiste qui joue presque tout le temps en arrière-plan lorsque vous vous déplacez dans son monde ouvert.

Emi Evans, la chanteuse sur de nombreux titres, a fait des recherches linguistiques pour utiliser la langue inventée dans le jeu (le chao) et a harmonisé les mélodies composées par Keiichi Okabe avec cette fausse langue. En plus d’avoir une belle voix, Evans a ajouté de l’authenticité et de l’immersion au monde excentrique du jeu en créant et en chantant des mots qui sonnent comme s’ils existaient dans une vraie langue. C’est dans les derniers moments du jeu que la fantastique bande-son atteint vraiment son apogée.

Persona 5 (2017)

Les bandes-son jazz de Persona sont les préférées des audiophiles de jeux vidéo, et la bande-son de Persona 5 est pleine de musique énergique qui vous encourage à « vous réveiller, vous lever, sortir ». Le compositeur Shoji Meguro utilise fréquemment le piano électrique et la guitare dans la musique du jeu, ce qui lui donne un aspect synthétique qui rend la routine quotidienne de votre personnage aussi excitante que le Métavers dans lequel il voyage.

Les points forts de la bande-son viennent de la chanteuse Lyn Inaizumi, qui interprète une douzaine de chansons aux rythmes pop et R&B qui vous resteront en tête et que vous fredonnerez même après avoir terminé le jeu.

Céleste (2018)

Celeste est un jeu difficile, non seulement en termes de gameplay, mais aussi de sujet. La bande-son s’accorde parfaitement avec le ton donné par le jeu, faisant office de musique de fond et de design. Exécutant vos événements à la perfection, la bande-son de Celeste semble presque être un personnage du jeu, vous accompagnant tout au long de votre voyage solitaire à travers Celeste Mountain.

De plus, la bande-son de Celeste s’adapte parfaitement à l’humeur du jeu, car au début, elle vous offre un ton plein d’espoir avec des chansons comme Reflection et plus tard, elle vous offre un ton plus profond, plus méthodique, alors que votre voyage physique et psychologique progresse vers un endroit plus sombre.

Super Smash Bros. Ultimate (2018).

Super Smash Bros. Ultimate a permis à Nintendo de transformer sa Nintendo Switch en le plus grand et le moins pratique des lecteurs MP3 de tous les temps. Les joueurs peuvent accéder à plus de 30 heures de morceaux originaux et de remixes de diverses franchises de jeux vidéo à partir du menu « Sounds » du jeu et à travers ses plus de 100 étapes. Le jeu vous permet d’écouter vos franchises préférées et de créer des listes de lecture personnalisées. Vous pouvez également sélectionner la lecture aléatoire et revivre certaines des meilleures musiques de jeux vidéo de tous les temps, y compris des compositions de plusieurs de nos autres meilleures sélections de tous les temps.

La série Smash Bros. a impressionné tout le monde par la combinaison de nouvelles orchestrations et de remixes de vieux classiques. Comme pour Star Fox 64, Nintendo a utilisé des outils musicaux avancés et des bibliothèques de sons pour recréer des bandes sonores MIDI obsolètes, donnant ainsi un nouveau souffle à la musique de Mario, Metroid, Fire Emblem, Zelda, Kirby et de nombreuses autres franchises.

Doom Eternal (2020)

Les jeux Doom sont souvent comparés à la couverture d’un album de heavy metal. Bien sûr, ce genre de musique a toujours été présent dans la série, mais ce n’est que lors de la réédition de 2016 que nous avons vraiment ressenti son impact. Composée par Mick Gordon, cette bande sonore s’adapte à la force avec laquelle vous foncez sur les hordes démoniaques pour ponctuer chaque tir et projectile. Le résultat est une partition surjouée qui, dans un autre contexte, aurait pu sembler clichée, mais qui s’accorde parfaitement avec la brutalité de Doom Eternal.

La musique est si réactive qu’elle devient une mécanique de jeu : plus vous tuez, plus les guitares et les tambours jouent fort, mais elle vous avertit également lorsque certaines capacités sont prêtes, lorsque de nouveaux démons apparaissent, ou lorsque votre santé est faible. Malheureusement, Mick s’est brouillé avec les développeurs après la sortie de ce jeu, et c’est peut-être le dernier jeu où nous pouvons apprécier son talent.

Mentions honorables

La NES existe depuis plus de 35 ans, cette liste ne couvre donc pas toute la période. Comme il y en a plusieurs qui pourraient gonfler la liste définitive, voici les mentions honorables qui mériteraient également d’être prises en considération.

  • Super Mario World (1990) par Koji Kondo
  • Earthbound (1994) par Keiichi Suzuki et Hirokazu Tanaka
  • Final Fantasy VI (1994) de Nobuo Uematsu
  • Secret of Mana (1994) par Hiroki Kikuta
  • Donkey Kong Country 2 : Diddy Kong’s Quest (1995) par David Wise
  • Banjo-Kazooie (1998) par Grant Kirkhope
  • Chrono Cross (1999) par Yasunori Mitsuda
  • Final Fantasy VIII (1999) par Nobuo Uematsu
  • Super Mario Sunshine (2002) par Koji Kondo
  • The Legend of Zelda : The Wind Waker (2003) par Kenta Nagata, Hajime Wakai, Toru
  • Minegishi, et Koji Kondo
  • Super Mario Galaxy (2007) par Mahito Yokota et Koji Kondo
  • Persona 4 (2008) par Shoji Meguro
  • Assassin’s Creed 2 (2009) par Jesper Kyd
  • Halo 3 : ODST (2009) par Martin O’Donnell et Martin Salvatori
  • Bastion (2011) par Darren Korb
  • Sonic Generations (2011) par Jun Senoue
  • Life Is Strange (2015) par Jonathan Morali
  • Undertale (2015) par Toby Fox
  • Hue (2016) par Alkis Livathinos
  • God of War (2018) par Bear McCreary